在全球各地引發觀展熱潮的《雨屋》展覽

前不久于英國V&A博物館舉辦的一個以歌劇史為主題的特展，給很多人留下深刻印象

美術館若為了吸引觀眾，一味打造“沉浸式體驗”，展出只吸引眼球但缺乏深度的作品，或將導致美術館的“游樂化”現象。這是沉浸式展覽熱潮之下格外需要關注與反思的。

時下，看展覽正在成為越來越多的人們熟悉的一種生活方式。

本期“藝術”版，聚焦讓人過目不忘的藝術展覽，聚焦這些展覽背后的趨勢、門道甚至爭議。

——編者

“沉浸式體驗”給展覽領域帶來全新的表現形式

連接觀眾與美術館，展覽是一個重要的通道。隨著美術館里的展覽日趨多樣，觀眾對于展覽的要求和趣味也越來越高。在展覽中大量運用新媒體技術，或者，在展覽中加強觀眾與展覽的互動，漸漸被證實為提高大眾觀展興趣的有效方式——最近幾年全球范圍涌現出的不少展覽，因循的都是這個“套路”。其成功秘訣在于，打破了藝術家和觀眾的距離，營造出一種沉浸式體驗。觀眾不再被動觀展，而是成了作品的一個組成部分；作品也不單單是藝術家創作的結果，同時是觀眾參與展覽的結果。

“沉浸式體驗”與沉浸理論的提出密不可分。這是一門認知心理學理論，首先由芝加哥大學心理學教授米哈里·齊克森米哈里提出，并在此之后逐步得到完善。通過調查人們舞蹈、閱讀、手術操作、做數學題等活動，齊克森米哈里和其他學者發現，許多人會由于全神貫注而暫時忘記自身的存在，不同程度感到時間的指針被撥快了，效率提高了。所謂“沉浸式體驗”，指的就是這樣一種不可思議的感受。

起初，沉浸理論被人們用于語言教學實踐培訓的。之后，陸續有學者進行相關的沉浸行為研究并修正其定義。今天，它在藝術領域被持續推進，擁有了非常廣泛的應用范圍。比如影視行業，通過當下最熱的VR虛擬現實等方式，讓觀影者體驗進入電影場景的沉浸感。同樣，“沉浸式體驗”也給展覽領域帶來一種新的表現形式。

吸引觀者參與、互動的藝術作品深具“爆款”特質

三年前曾在上海余德耀美術館引發觀展熱潮的《雨屋》，營造的就是一種沉浸式體驗。近日它再度“返場”申城展出，觀眾熱情依舊。

150平方米的空間里，雨水自天花板如銀絲般流下。為了讓觀眾更好的體驗這件作品，《雨屋》以10分鐘一批、每批20人的方式迎接參觀者的到來。許多觀眾為了這10分鐘的沉浸式體驗，不惜等待幾個小時的排隊時間。現代人的生活方式和內心世界，通過聚光燈下的雨絲折射出來。

《雨屋》是藝術團體蘭登國際的裝置作品。蘭登國際創立于2005年，兩位創始人弗洛里安·奧特克拉斯和翰尼斯·科柯都是德國人，2005年他們一同畢業于英國皇家藝術學院。這個藝術團體包括藝術家、工程師以及技術人員等，其作品往往使用科技作為藝術創作的語言，以參與及互動的方式引發觀眾對人類行為和自然現象的思考。比如《雨屋》就是利用3D追蹤攝影機定位參觀者的位置，進而控制流水的開關，人到雨停，雨中不濕身。此前這一展覽登陸倫敦巴比肯中心時，觀眾很執著，有人稱為了這場“雨”等候了 12個小時。此后展覽移師紐約現代藝術博物館時，也有統計顯示，周末觀展的等待時間可能超過5個小時。對于《雨屋》在全球引發的觀展熱潮，有藝術評論家指出，浸入式藝術越來越流行，很多人為了在里面自拍，甘愿在高溫天氣里受罪。

對于《雨屋》，蘭登國際強調的卻是實驗意義。這個藝術團體對觀眾如何與自己不了解以及不太能理解的事物之間的互動非常感興趣，更想看到人們面對這種所謂的奇觀時的反應。他們運用科技展開的“實驗”，借用人們熟悉的自然現象以及與自然規律的背離來吸引人們參與和互動。全球各地被它吸引的人們，都是實驗的一部分。而觀眾在線上線下掀起的狂熱、不同尋常的參與，也引發某些專業人士的質疑。《雨屋》在紐約引發熱潮時，《紐約時報》有評論稱，“盡管雨屋設計巧妙，也很有趣，但它似乎只能算是巧妙的消遣。”可以說，高科技的藝術作品加上狂熱的觀展體驗、撲面而來的外界質疑，共同構成了這個堪稱奇觀的藝術事件。

另一個為人熟知的沉浸式展覽，是日本新媒體藝術團體Team lab去年在佩斯北京畫廊舉辦的中國首展《花舞森林與未來游樂園》。這也是其全球巡展的一個重要部分。成立于2001年的日本科技藝術團體——Team lab，團隊成員近400人，包括藝術家、計算機工程師、建筑師、CG動畫師、應用設計師甚至數學家等。他們利用新媒體技術與觀者產生互動，形成極具想象力的浸入式觀展體驗。

在Teamlab的標志性作品“花與人的共生永存”系列中，實時運算的技術讓一年四季的鮮花得以呈現，而虛擬的花海會根據觀看者的互動行為不斷隨之綻放或凋謝。觀眾在屏幕上看到的每一朵花都是獨一無二的，并且它們一旦凋謝就不會重生。

對于這樣的視覺奇觀，《紐約時報》評價道“Team lab的作品像是多聲道管弦樂曲，將光線、聲音、視頻、數字序列和虛擬現實等共同融入一個科技化的夢幻仙境之中，并致力于讓技術進入藝術的范疇。”Team lab創始人豬子壽之卻并不認為科技是自己作品中最重要的元素。他曾在接受采訪時直言：“我們感興趣的是通過對于數字技術的運用，藝術將如何得以被拓寬。通過將科技與藝術相連接，我們也許可以讓人們的生存變得更加積極。數字化的概念本身就是去拓展人類的表達。”這或許解釋了為什么花朵、水流等自然之物一直是Teamlab作品中的核心意象。在他們令人目眩的科技景觀背后，始終隱藏著對于人類生存的提問，而他們的藝術作品正在試圖讓城市中的人們重新感受到自然界中生命的活力，并激發人們去感悟自身與世界的關系。

展覽中的“未來游樂園”部分吸引了很多家長與兒童。Teamlab鼓勵孩子們用自己的手去創造一個獨一無二的想象空間，而他們親筆繪出的人物、動物、植物等圖畫通過掃描會將圖像傳到展廳中的巨大屏幕上，這些圖像馬上就會活動起來，并與參與者產生實時的互動變化，令孩子們感受到世界上的生命是如何地豐富多樣且彼此緊密相連。這種互動的體驗，不僅拓展了藝術自身的邊界，而且極大豐富了孩子們的想象力，改變了目前美術館、畫廊運用展覽空間的方式。

去年9月Teamlab還在深圳推出藝術餐廳，引得人們蜂擁而至。這個餐廳每餐只提供8人用餐，是個維持一年的藝術項目，在此提出的是藝術新的可能性——你是否想過真正融入作品、化身為其中的一部分？藝術如何在餐桌上創造一個新的世界？在Teamlab餐廳中，放置于桌上的各種器皿中釋放出來的世界會彼此影響，桌上與周圍被創造出來的世界也會受到觀賞者行為舉止的影響，然后共同創造出一個世界。這件作品與一般餐廳是不同的概念，人們不是為了吃飯而吃飯，而是享受整個光與影的藝術空間。在豬子壽之看來，餐廳最迷人之處在于給予觀賞者完整的藝術體驗：每一道料理都與一個不同的場景相對應，在你面前呈現的世界，可以與其他人面前的相融合，就此生長出一個全新的世界。這種沉浸式空間，會給人們一種與自然美好的體驗。在不經意間，藝術的確改變了當下的世界。

“Teamlab是個藝術團體，我們做的是與藝術家一樣的工作。其實我一開始沒想成立一家公司，只不過當項目所需的技術人員、藝術性協調人員越來越多，運營起來會涉及法律問題。世界上有一定規模作品問世的藝術家，大多都有一個團隊在創作。藝術家在畫廊、美術館展覽，通過藏家收藏作品獲得認可，我認為這種傳播藝術的方式已經過時了。藝術品不應該讓有錢人去購買才有價值。讓更多人去體驗，真正能改變人們一些想法，這才是藝術更有價值之處。”豬子壽之說過的這樣一番話引人深思。

國際性的藝術雙年展上，營造沉浸式體驗的作品同樣成為關注的焦點。藝術家安妮·伊姆霍夫去年在威尼斯展出的作品《浮士德》即是其中的代表。這件作品包含一些裝置作品以及每天5小時的演出，演員包括藝術家本人以及一群舞者。在這件表演作品中，伊姆霍夫對每一分鐘的姿勢與動作秩序都有所設計。這會讓人產生一種感覺，即某種結構在背后潛伏，但觀眾卻看不見；而同時，表演者有意識地打破劇本的限制，進行即興表演——與深深籠罩著現場的緊張氛圍相抗衡，每個表演者的個體性又都非常突出。

熱潮之下，警惕“沉浸式”滑向“游樂化”

每一門學科都存在邊界。藝術與科學因新媒體藝術而連結。新媒體藝術形成的起因之一即是嘗試性地使用藝術與科學邊界擴張與溢出的內容。直到現在，它已逐漸獨立形成另一門學科，以交互、混雜與時效性作為重要特征。藝術越來越科技化，科技越來越藝術化。

目前，虛擬現實藝術已經不再是極客程序員的保留項目。在西方，包括保羅·麥卡錫、奧拉維爾·埃利亞松、瑪麗娜·阿布拉莫維奇和杰夫·昆斯在內的藝術家們正著手利用科學技術進行創作；在中國，各種“新媒體藝術展”日益增多，藝術家運用新媒體技術不斷拓展創作的邊界。這種媒介帶來的最大變化，莫過于藝術家已不再是單一的創意來源。他們現在是多方參與的大型系統中的一部分。

隨著計算機的使用，藝術行業正變得越來越復雜和廣泛。盡管沉浸式藝術憑借其強調多重感官體驗的特點，贏得了熱捧與關注，但隨之而來的爭議不在少數，尤其集中在其精神內涵方面。對于藝術世界來說，大多數數字藝術似乎過于迷戀技術，而對創作概念模糊不清，其藝術價值的內核有待探討。而美術館為了吸引觀眾，一味打造“沉浸式體驗”，展出只吸引眼球但缺乏深度的作品，也會導致美術館的“游樂化”現象。這些都是沉浸式展覽熱潮之下需要關注與反思的。

（作者為上海大學上海美術學院副教授）